In “Mediterraneo“, Bresh traccia una rotta che va ben oltre la geografia, esplorando un territorio più interiore, affettivo e quasi memoriale. Il titolo dell’album non è affatto casuale: il mare, elemento onnipresente, si fa simbolo di ritorno e dispersione, di orizzonte e abisso. In questo ampio spazio liquido e mutevole, riflette l’identità di Bresh: uno dei nomi più riconoscibili della scena musicale genovese, e forse uno dei più difficili da definire in modo netto. Perché, sebbene il mare sia ovunque, l’artista sembra sempre fluttuare tra i confini, tra la ricerca di un’ancora di salvezza e il desiderio di perdersi in essa.
L’avventura musicale comincia con Rotta Maggiore (Partenza), che si presenta come un manifesto poetico dell’intero disco. Niente colpi di scena, ma parole scelte con cura, immagini sobrie ma piene di significato. La canzone si fa racconto in prima persona, un viaggio intimo che non si preoccupa della forma, ma solo dell’onestà, di un’espressione pulita che non si maschera mai dietro artifici. Bresh si fa poeta del quotidiano, con una voce pacata che pare giungere da una stanza affacciata sul mare. Ma anche in questo momento di sincerità, la produzione sembra smussare la forza della sua voce, levigandola e rendendola più omogenea, più vicina a certi standard pop-urban che tradiscono forse una certa necessità di adattamento commerciale.
Questo contrasto tra autenticità e necessità stilistica è un tema ricorrente nell’album. Una frizione che diventa ancor più evidente in Capo Horn, dove la collaborazione con Tedua, che sulla carta avrebbe potuto esplorare temi profondi e complessi, finisce per sembrare più un collage di voci che un vero dialogo. I due sembrano restare distanti, senza riuscire a fondersi in un flusso comune: l’incontro sembra più una forzatura che un’integrazione naturale.
C’è invece qualcosa di più evocativo in La Tana del Granchio, una ballata che, pur non essendo un capolavoro di originalità, riesce a toccare corde più profonde. Presentata a Sanremo, la canzone cattura una sensazione di sospensione e malinconia che pervade ogni verso. Non è la perfezione a fare la differenza, ma piuttosto la sua capacità di evocare una sensazione di calore sommesso, una tristezza silenziosa che si infiltra nelle pieghe della melodia.
La prima parte dell’album si tiene ancorata a un impianto tematico chiaro: il mare come metafora della ricerca identitaria, la narrazione come strumento per orientarsi tra le tempeste interiori. Ma, superata la metà del viaggio, l’album sembra perdere coesione. Brani come Agave, Popolo della notte, Aia che tia, Guasto d’amore e Torcida suonano più come singoli separati, privi della connessione narrativa che sembrava essere la forza propulsiva dei primi pezzi.
Un’eccezione a questa frammentazione è Aia che tia, che si distingue non solo per il suo utilizzo del dialetto genovese, ma per il modo in cui riesce a trasformarlo in un vero e proprio strumento espressivo. Non si tratta di un vezzo folkloristico, ma di un modo per avvicinarsi alla tradizione con rispetto, dopo la recente e riuscita incursione di Bresh nella reinterpretazione di Crêuza de mä di Fabrizio De André. La scelta di cantare in dialetto, lontano dall’essere un ostacolo, si fa ponte culturale, un atto di dignità verso una lingua che troppo spesso resta ai margini della musica popolare. Con Aia che tia, Bresh ci parla non per piacere a tutti, ma per rivolgersi a chi sa davvero ascoltare, con una sincerità che non ha bisogno di maschere.
Le collaborazioni presenti nell’album, pur portando freschezza e diversità, non sempre arricchiscono l’esperienza complessiva. Da Kid Yugi a Sayf, da Achille Lauro a Tedua, gli incroci sono interessanti ma appaiono più funzionali a un gioco di visibilità nel mercato che a un dialogo creativo vero e proprio.
La chiusura con Torcida ci lascia con una sensazione di incompletezza. Non c’è una conclusione netta, ma piuttosto una continuazione del viaggio, un altro movimento, una deriva. Questo non è un disco che si chiude con un botto, ma con una nota sospesa che ci invita a riflettere più che a consumare.
“Mediterraneo” è un album che, come il mare da cui prende il nome, vive di contrasti, di silenzi e di turbolenze. La scrittura di Bresh resta uno degli elementi più distintivi della nuova scena genovese, capace di mescolare confessione e suggestione con una naturalezza che non è mai forzata. Eppure, la produzione e la frammentazione della seconda parte dell’album rischiano di affievolire la forza di quel concept iniziale. È un disco che va ascoltato con calma, senza fretta, cercando di capirlo come un paesaggio che cambia continuamente. Come il mare, che ti invita ad immergerti, ma ti chiede anche di non smettere mai di cercare.
Bresh sembra essere ancora alla ricerca di qualcosa: forse della sua forma definitiva, o forse di un luogo in cui fermarsi, guardare il mare e finalmente non dover spiegare più nulla.
Dalla sicilia con furore (come una Bruce Lee della musica), trasportata da tutte le note del pentagramma in tutto quello che è musica. Mi troverai sempre sottopalco.
